第三节 经典作品鉴赏与分析(1 / 1)

美术鉴赏 王贵胜 7543 字 8天前

一、学院主义的主要代表作品:《逃亡埃及路上的风景》

1.时代背景

16世纪前期,意大利文艺复兴的显赫时代已经过去,艺术爱好者们认为绘画的发展已经达到了巅峰,米开朗琪罗、拉斐尔、提香和达·芬奇在素描和色彩方面已臻完美,对他们顶礼膜拜,奉为圭臬,努力模仿文艺复兴大师们的手法,却摒弃了他们勇于探索和创新的精神,形成了盛极一时的手法主义,也叫风格主义。当然,时代总是要进步的,理智而清醒的画家开始想要超越大师,狂热地进行新的风格实验,美术领域里呈现多元分化的趋势。而17世纪的意大利内忧外患,外受列强入侵,内有农民起义,战火纷飞,四分五裂,新兴的资产阶级和封建贵族相互勾结,彼此依靠;教皇借助外国势力,企图消灭人文主义思潮,恢复往昔的荣耀与权力,推行反宗教改革。在这种动**的大背景下,画家的队伍也发生了分化:另一部分服务于宫廷和贵族,发展了巴洛克艺术;一部分画家主张保护和继承文艺复兴大师们的艺术成就,建立美术学院,这就是以波伦亚的卡拉契兄弟为代表的学院主义。而以卡拉瓦乔为代表的现实主义则以一种自然主义的态度对社会与生活提出了质疑与批判。

2.作者介绍

阿尼巴·卡拉契是卡拉契三兄弟当中最为著名的一个,早年曾跟随兄长路德维克·卡拉契学艺,后又曾在威尼斯、帕尔玛等地学习和研究文艺复兴时期大师的作品,追随米开朗琪罗和拉斐尔的脚步,擅长人物和风景,能作大型湿壁画、祭坛画和架上绘画。他长期工作在罗马,绘制的大型湿壁画气势磅礴、构图宏伟,在塑造上追求雕塑感,形象生动有力,受到上层社会的热烈追捧和欢迎。1609年,他访问那不勒斯,染上了疟疾,回到罗马后身亡。

3.作品分析

《逃亡埃及路上的风景》(图11-7)是阿尼巴·卡拉契的代表作,一幅典型的古典主义风景画。学院派的画家们认为自然本身存在很多瑕疵,并不完美,需要艺术家加以美化和创造,使其合乎理想美的规范,庄严肃穆,这种理想化的风景又叫英雄式的风景。《逃亡埃及路上的风景》并不是对自然的原生态写生,而是作者心目中理想化的田园,有些怀旧,又有些伤感。浩瀚的蓝天白云,悠远而宁静的古城堡静静地沐浴在夕阳之下,庄严肃穆。美丽的河流从容流淌,羊群在葱茏的小坡上觅食,中景点缀着行走的牧民,近景的岸边是赶路的耶稣一家人,左边的树木则起到了平衡画面的作用,同时树叶的婆娑打破了画面近乎凝固的静,有些生气,有些抒情。整个画面笼罩着淡淡的轻烟,一切都是那么永恒、悠远和宁静,让人不禁心生向往,而又有些地老天荒般的惆怅。画面构图开阔、稳重,笔触松动,色彩厚实凝重,描绘的虽然是乡间常见的风景,却缺乏生活的气息与温暖,具有庄严的纪念碑特色。这种画法对后来的普桑、克劳德·洛兰等人的风景画有着深刻的影响。作品冷静而理性,作者只是描绘所要表达的对象,而没有主观的情感流露,过分的节制使画面显得有些僵化,可以说是形式大于内容,为古典主义风景画建立了最初的法则。

图11-7 阿尼巴·卡拉契《逃亡埃及路上的风景》

二、古典主义的代表作品:《阿卡迪亚牧人》

《阿卡迪亚牧人》是尼古拉·普桑的作品,是法国17世纪古典主义的代表画作,是古典主义风格最完美的体现。

1.时代背景

法国在战乱中度过了16世纪,因此文艺复兴运动远不及意大利和尼德兰那样兴盛。17世纪之后,国家取得统一,加强了君主专制的中央集权,经济和文化也进一步繁荣,使法国逐步成为欧洲的文化艺术中心,取代了意大利的领导地位。但法国在艺术上始终是追随意大利的脚步的,一切有成就的画家都受到过意大利美术的影响和启迪,无论风格、思潮和流派,都与意大利有着千丝万缕的联系。另外,法国与尼德兰偕邻,也不可避免地受到尼德兰的影响,法国本民族的艺术传统与外来艺术的融合,逐步成就了法兰西的中心地位。法国人称17世纪为“伟大的世纪”,是充满了光荣与梦想,取得了伟大成就的黄金时代。

17世纪中期以后的路易十四时代是宫廷古典主义的极盛时期,君主和贵族将艺术作为夸耀荣誉和权利的象征。在首相黎塞留的支持、倡导和庇护下,以意大利美术学院为蓝本,于1648年成立了皇家美术学院,成为官方的美术教育机构,为皇室与贵族服务。在学院里,古典主义被确立为学院的规范和标准,院长勒·布朗提倡“伟大的风格”,即路易十四时代风格。他在普桑的基础上形成了系统的艺术观点、教学体系和方法,核心仍然是古典主义,借以歌颂和美化路易十四时代的王权。

古典主义艺术只注重纯客观的描绘,反对掺入任何主观的思想感情,注重理性,排斥情感;古典主义注重形式的完美,倡导高级和雅致,并且认为历史画、宗教画和神话属于高级题材,所以特别推崇古希腊、古罗马的故事,而肖像画、风景画、风俗画和静物画则属于低级题材。造型上追求古希腊罗马的雕塑效果,排斥个性,注重类型化和理性的演绎。

2.作者介绍

普桑(图11-8)出生在法国西部诺曼底的莱桑德利,是学院派的先驱,法兰西17世纪最伟大的画家。其父让·普桑是皇家陆军的退役军官,家境一般。普桑是独子,父母希望他学习法律,可普桑从小就爱好艺术,年少时受到一名叫昆廷·瓦连的画家的支持和鼓励。后来去了巴黎,他结识了拉勒芒和迪南·艾勒,并且结识了负责保管国王艺术珍藏的亚历山大·库图瓦,欣赏到很多艺术名作,开拓了思想和眼界。

图11-8 普桑《自画像》

1621年的春天,普桑来到意大利的罗马,悉心研究了古希腊、古罗马及拉斐尔的作品。1628年,在红衣主教法西斯克·巴贝里尼的推荐下,为圣彼得大教堂作祭坛画《圣伊拉斯莫斯的殉教》,获得了巨大声誉,但普桑创作盛期的代表作品大多为神话、宗教和文学题材。普桑为人性格沉静、耿直,这种具有“崇高风格”的题材暗合了他的内心,他不像卡拉瓦乔和伦勃朗那样直接描绘和抨击社会,而总是以一种委婉而曲折的方式影射社会的丑恶现象,表达内心的忧虑,因此他的画面哲理性非常强,其深刻的寓意有一种意味深长的效果。而他的画也正是因为这种优异的品质与情怀而感动着观者,并对大卫、安格尔、德加、夏凡纳、塞尚等产生了重要的影响。塞尚曾说:“每次我从普桑那儿回来,我便更了解我是谁。”普桑在晚年转向了风景画的创作,他的风景画在美术史上被称作“理想的风景画”,在以自然风光为主体的画中,加入古代神话传说和圣经故事,寓含着深刻的哲理。

3.作品分析

《阿卡迪亚牧人》(图11-9)中的阿卡迪亚是古希腊传说中一块世外桃源式的乐土,那里蓝天明净,白云如花朵般开放,葱茏的绿地弥漫着静谧之美。有四个牧民经过这个美丽的地方,突然发现一块墓碑,于是他们驻足辨认墓碑上的碑文。其中一位年轻人认出其中含义是“即使在这美好的地方也有死神”。画中那位美丽女子,典雅端庄,是画家有意加入的一个寓意形象,她是象征美好人生和永恒自然的化身。

图11-9 普桑《阿卡迪亚牧人》

这幅画具有典型的哲理性和象征寓意性,画中情境淡定从容,但人物彼此之间的呼应和表情又给人一种对人生的疑虑和哀伤感觉,低首之间,坚定对人生的信念。试想,阿卡迪亚这么美丽的地方也有死亡,但又何足惧怕?毕竟这儿是人生的乐土!画家用艺术形象呼唤人类的良知。普桑曾说过:“正是在这种沉思中,人们才能在命运的打击下站得稳定和不屈。”在这幅画的境界中没有死亡的恐惧,呈现的是一片祥和与宁静。

画中人物的组合看似漫不经心,其实匠心独具,是画家苦心经营而得。画面稳定、均衡,人物之间的姿态、动作、神情彼此呼应,衣褶的卷曲飘动合乎古典规范,优美而典雅。色彩的冷暖对比清新和谐,呈现出一种明净简约又对比鲜明的美感。牧女的形象优雅贤淑,气质高贵,金黄色的上衣手感柔软,色泽明丽,打破了画面沉重的色调,使作品具有清新美好的氛围。天空中白云飘忽,笔触松动,湛蓝的天宇与禇色的大地混融一体,如此浩**而明净。静凝而沉重的墓碑虽然昭示着人生无奈的结局,但这一切又是如此平静与自然。整幅画面具有崇高、庄重、幽静与和谐的美感,切合普桑的绘画标准:应该描写“高贵庄严”的行为,要合乎逻辑,不是画实际出现的情形,而是画应该出现的情况;绘画要追求普遍和典型的东西,影响人的心智更重于影响人的感官;色彩勿太炽烈,动态和构图勿过紧张。应使观者从姿态中确切地“读”出每个人的情感,说出事件的原委。所以说这幅画是普桑的典范之作,从最大层面上实现了画家的理想:以朴实无华的写实技巧,细腻地表现平凡的真理,唤起人们对人生深深的思考与回味。

三、巴洛克艺术

1.《圣女德烈萨》

(1)作者介绍

17世纪的意大利依然是欧洲的艺术中心,在体制上坚持“君权神授”的专制集权,在生活作风上却奉行资产阶级的享乐主义。欧洲天主教流行地区的国王和教廷极尽奢华,不惜重金礼聘艺术人才装堂饰壁,以显示其权威。正是在这样的背景下,那不勒斯著名雕刻家彼特罗·贝尼尼为意大利雕刻艺术奉献和培养了巴洛克雕刻艺术的不朽大师——他的儿子洛伦佐·贝尼尼。

1605年,老贝尼尼带着全家迁居巴洛克艺术的中心——罗马。小贝尼尼天资聪颖,他8岁时因为雕刻了一件逼真的小孩头像震惊了他的父亲,17岁时为大主教萨道尼作惟妙惟肖的胸像,少年得志的贝尼尼对事业和前途充满了信心。他是一个精力充沛、性格欢快之人,他不朽的创造力跟这不无关系。在他24岁时奉诏入教廷供职,如鱼得水,由于其卓绝的技艺获得了基督勋章和骑士头衔。他不仅是罗马巴洛克艺术最光辉的代表,而且是天才的全能艺术大师,集雕刻家、建筑家、画家、舞台美术家、喜剧作家于一身。

他又是一个幸运的人,结识了显赫一时的红衣主教斯皮奥涅·波尔盖兹,主教诏他为自己装饰花园,这使年轻的贝尼尼初露锋芒,展示出他天才的艺术能力。《大卫》、《阿波罗与达芙妮》、《埃涅伊预案希斯》和《普娜泽尔庇拉》四组装饰性雕刻,为贝尼尼赢得了巨大成功。

然而,标志着贝尼尼雕塑的巅峰之作,是他为罗马维多利亚教堂所作的祭坛雕刻《圣女德烈萨》(图11-10)在这件作品中,我们欣赏到贝尼尼对人物内心刻画的至高无上的面部表情,在巴洛克时代的欧洲独步一时。

图11-10 贝尼尼《圣女德烈萨》

(2)作品分析

《圣女德烈萨》是贝尼尼为罗马维多利亚教堂所作,主体形象是圣女德烈萨和爱神。

德烈萨是16世纪西班牙的一位修女,少年患病后潜心修炼,侍奉上帝。每当她发病时就失魂落魄,脑海幻觉丛生,出现很多奇迹,清醒时便将这种幻象记录下来,一直流行于民间,教会就利用她的病态回忆来宣扬宗教神秘主义,并封她为圣徒。她在一本著名的书中曾描绘过她发病见到天堂时销魂夺魄类似于人间肉体之爱的极乐境界。

这组雕像便是对这种幻象和极乐境界的呈现。贝尼尼在云石上描绘出少女神志昏迷和爱神欲向她胸中刺箭的情态。所谓痛并快乐着,对此,德烈萨曾有一段描述:我感到这支箭已刺透我的心,当金箭抽出时就像在抽我的心,这时我感受着一种无限的甜蜜,我很想把这种痛苦永恒地继续下去。

这是一组充满了舞台效果的雕像,德烈萨在贝尼尼手下并非潜心修炼侍奉上帝的修女,而是一种象征的艺术形象,他以精湛的技艺刻画了处于青春期的少女内心深处的隐秘情感,在迷幻的思维状态下对爱与欲的痴迷。“何意百炼钢,化为绕指柔”,贝尼尼不仅赋予坚硬的云石以生命,更将少女的柔弱如水和青葱性灵在迷幻的场景中展露无遗,而所有这一切都是以宗教的名义来诠释,实质上却是对当时禁欲主义的反抗。

这组雕像看起来毫无依傍,德烈萨与小爱神被云朵托举在空中,万丈阳光如瀑而下,巨大而雄伟的边框宛如穹隆,小爱神举箭欲刺,德烈萨仰卧沉迷,一切都是那么不可思议,贝尼尼向我们展示了近乎晕眩的宗教迷情。坚硬的云石宛如华丽的绸缎,仿佛是贝尼尼随手披上,并将下垂的裙摆稍稍往上拂了一下,那些美丽而柔软的衣褶有强烈的触摸感。沉重的云石化为飘忽的云朵,天堂的神秘与迷幻、光华和荣耀在阳光普照之下给人以奇异与震惊之感,德烈萨的飘飘欲仙呼之欲出。可以说,跟古希腊以来的雕刻家相比,贝尼尼刻画人物的面部表情已臻化境,巴洛克的回旋与运动、**和壮丽在这组雕刻中亦无可比拟。他突破古典雕塑让衣饰自然下垂的曼妙与庄严,而是让它缠绕与回旋以造成强烈的动势。宗教的静穆已不复存在,小天使的温柔与调皮、圣女无可遏止的幸福与兴奋已背离了宗教的原义,贝尼尼抛开所有的约束,直接击打观者的情感,充满了强烈的戏剧性和舞台感。

2.《抢劫留希波斯的女儿》

(1)作者介绍

鲁本斯是17世纪佛兰德斯最伟大的画家,欧洲绘画史上少有的幸运儿,也是同时代欧洲画坛最显赫的人物。他于1577年出生于德国的茨根小城,9岁时随父母移居佛兰德斯,定居安特卫普。父亲去世较早,母亲送他进了一所拉丁文学校学习,所以他能阅读古希腊、古罗马的原著。14岁时被送到一位贵妇人府邸当侍童,学会了为人处世和上流社会的礼仪习俗。

鲁本斯最初师从于风景画家维尔哈希特和阿达姆·凡·诺尔特,在他们的门下学习了四年,打下了坚实的基础。不久他又成为从罗马归来的维尼乌斯的弟子,这使鲁本斯受益很大,由此充满了对意大利、罗马的美好向往。1600年,鲁本斯来到了意大利的威尼斯,他以至诚的态度学习和研究提香光华流丽的色彩和丁托列托具有生动韵律的构图及明暗法。后来他又相继访问罗马、佛罗伦萨和热那亚等地,精心研究和临摹古代艺术精品和文艺复兴盛期大师们的画迹。同时,卡拉瓦乔的现实主义绘画强有力的艺术效果也吸引了他。在意大利期间,他接受了曼图亚大公的礼遇成为宫廷画家,接触了大量的古代艺术珍藏,并作为宫廷使臣去意大利和西班牙收集艺术珍品,丰富了他的艺术修养。在艺术上,他游学各家、广收博采,不过他最感兴趣的还是意大利正在兴起的巴洛克艺术。

在艺术创作上鲁本斯也逐步形成了自己的风格,特别注重以旋转的运动感和豪华壮丽的画面来表现激动人心的场面,色彩上善用饱满响亮、对比明快的色调。画面光影流动闪烁,人物形象健康壮硕,线条往返回旋,一切人、一切事都处于强烈的运动感中,画面所倾泻而出的巨大**和能量撼人心魄。

鲁本斯虽然备受君主和教会的恩宠,经常以大使的身份和艺术的名义出使欧洲各国,一生荣华富贵,但同时他又是一位伟大的人文主义者。即使是描绘宗教与神话题材,他也是以一种世俗主义的心态去揣摸人物,神秘迷幻的圣界也充满了17世纪欧洲自然界的美丽风光。他终身处于上流社会中,但他的作品并没有纸醉金迷的感觉,他善于以健康与充满生机的画面与人物形象去肯定现实生活的欢乐与富足,并非常愉悦地体验和享受着这一切。他以磅礴的**与生命力营构着他的画面,场面宏大,气势如吞,人物造型充满了雄健的力量。富有想象力和戏剧性的情节,对比鲜明、响亮饱满的色彩;流动的线条、激动人心的画面,给人一种富丽堂皇、华美升腾的感受。

(2)作品分析

《抢劫留希波斯的女儿》(图11-11)取材于希腊神话:宙斯和丽达所生的孪生兄弟卡斯托耳和波吕克斯,一个善骑,一个善战,他们共同爱上了迈锡尼王的两个孪生女儿。

图11-11 鲁本斯《抢劫留希波斯的女儿》

画中所描绘的是传统的“抢婚”情节。画面上人物和马匹扭动交错,形成一个似乎在不断翻滚的艺术整体,背景单纯,宏大的气势与场面充塞于天地之间,是一曲充满了力量和美的赞歌。大轮廓近乎圆形,翻腾奔跃的马匹,刚猛英挺的卡斯托耳和波吕克斯,皮肤润白如玉而又饱满丰盈的女人体,构成一个充满了炽烈爱情与强健生命力的场景。人物造型结实厚重,棕褐色的男人体与白皙明净的女人体在色彩上形成了鲜明的对照,两匹马也采用了同样的色调处理,大地坚凝,蓝天高旷,云彩蓬勃松动。故事情节虽为抢婚,但并无血腥与暴力。两位少女欲拒还迎,充满青春活力的生命强悍而热烈,这是一幅洋溢着巴洛克式**的画作。强烈的戏剧化情节和场面,夸张而奔突的米开朗琪罗式造型,仿佛置于舞台的追光下,让观者紧张而期待。这是鲁本斯典型的巴洛克代表作,自由挥洒的用笔、光华流丽的色调、强健而青春的人体、卡拉瓦乔式的用光、舞台化的氛围与感染力,交织成了这样磅礴的交响乐般的画面。在天与地之间,在渺远的亘古,我们仿佛能听到马匹的嘶叫,少女的呻吟与力士的吼声。对神话与传说的描绘,表达了鲁本斯对生命与爱情的礼赞、对自然和人性的尊重,体现了人文主义反对禁欲主义的思想,同时也含有纵欲享乐的因素。

3.《查理一世像》

(1)时代背景

16世纪下半叶风云突起的尼德兰革命,以荷兰的独立和佛兰德斯的妥协而告终。在这块曾产生过扬·凡·艾克、博斯和勃鲁盖尔等一代大师的土地上,因革命的分裂而出现了两个各具民族艺术特色的派别:一个是以伦勃朗为首的17世纪荷兰绘画;另一个是以鲁本斯为首的佛兰德斯绘画。

17世纪佛兰德斯的绘画仍处在西班牙的封建专制和教会的双重控制之下,它的发展状况与当时已获得独立的荷兰绘画有着明显的区别。意大利华美的巴洛克风格被欧洲演变成一种时代的风尚。奢侈享乐的王公贵族与教会表现出了极大的热情,礼遇巴洛克艺术大师,不吝巨资装饰豪华壮丽的宫殿和大厅、教堂及祭坛,这就促成了绘画艺术装饰风格的形成,受到宫廷和贵族化了的资产阶级的热烈追捧、赞助与欢迎。但是,佛兰德斯优秀民族艺术的传统并未完全丧失,仍然保持着积极的因素,并反映了人们积极的思想感情。因此,17世纪的佛兰德斯美术较之同时期的荷兰美术,一方面带有明显的贵族性和宗教性;另一方面仍然具有一定的民族性。

到了17世纪,在意大利形成的巴洛克艺术、学院主义和卡拉瓦乔主义,同样为佛兰德斯画派注入了新鲜的血液,尤其是巴洛克艺术,更成为佛兰德斯画派的主流风格。在他们的作品中,造型奔放,充满**和强烈的运动感,形象富有人情味;画面色彩鲜丽、热情饱满、明快温和,这种奔放而华美的巴洛克艺术形象也受到了贵族和教会的欢迎。

(2)作者介绍

安东尼·凡·代克,佛兰德斯人,他出生于安特卫普的一个商人家庭,母亲精于刺绣,算是对他最初的艺术启蒙。11岁时凡·代克师从于凡·巴伦,天赋非凡,为凡·巴伦所赏识,帮助他建立了自己的独立工作室。但他深知自己还只是刚迈入艺术的门槛,毅然投奔于大师鲁本斯的门下,成为鲁本斯的得力助手和高足。这时,他的才能被完全发掘和激发出来,一直为鲁本斯工作到21岁,得到大师的高度赞赏。同年,他应英国查理一世的邀请远赴伦敦,回国途中转赴意大利,遨游在意大利古代和文艺复兴时期的艺术殿堂,他醉心于威尼斯画派的色彩和佛罗伦萨画派的造型,尤其是提香的艺术,使他终生受益。他27岁时回到故乡安特卫普,六年的游学已使凡·代克成长为与老师鲁本斯比肩的大画家,形成了鲜明而又独立的艺术风格。

33岁时,凡·代克受聘为英王查理一世的首席宫廷画家,为上流社会所礼遇,这是他第二次赴伦敦,并在那里终其一生。凡·代克的艺术成就主要在于肖像画,早期有明显的16世纪尼德兰绘画的民族气派,风格朴素端方。在意大利游学时逐步形成了个人面貌,威尼斯画派的华丽无疑给了他很大影响。早年在鲁本斯的门下也受教甚多,多方面的影响毫无悬念地使他成为了一名典型的巴洛克肖像画家。他的画不像鲁本斯那样张扬和奔放,他注重刻画人物的内在个性,所塑造的人物往往显得比较柔和、内敛和沉静,有一种华丽而不失典雅的气质。对人物眼睛的刻画非常考验画家的技术和体验客观对象的深度,而凡·代克尤擅描绘对象的表情,对人物眉眼的描绘更是精到传神。同时,人物的身姿和手势、服饰的优雅或者粗俗也往往能传达出一个人内在的气质和身份,对这些看似比较次要的内容凡·代克在画面中都会予以精心而巧妙的安排,从而为我们留下了一个个富有灵魂的人物。

(3)作品分析

《查理一世像》(图11-12)画于1638年,现藏卢浮宫博物馆。这是一幅小品式的作品,描绘了君主行猎休息的情境,并按国王的要求画成身着猎装在郊外的形象。画中的查理一世已然没有了一国之君的威严气派,当然来自血统的天然尊贵还是无可置疑地赋予了他淡定而优雅的气质。他态度端然,半侧着身子,手叉腰间,衣饰华丽考究,扭头面对观者,一副温柔亲和的模样。

图11-12 安东尼·凡·代克《查理一世像》

在这幅“帝王行猎图”中,画家没有做过多的修饰,而是真实地描绘了查理一世即时的面貌与精神状态。画面构图平朴,比较生活化,亦无巴洛克的动感与**,但画面轻快自由的气氛、华丽鲜亮的色彩以及快速松动的用笔无疑具有深入骨髓的巴洛克气质。国王的背后还描绘了两个侍从:其中一人只看到侧脸,神情麻木;另一人正在整理缰绳。主仆三人虽是在行猎图中,却并不风尘仆仆,显得闲适自得。作为肖像画,国王的形象非常突出,面貌神情如真,仿佛能看到查理一世犹疑与琢磨不定的内心。人物的衣饰质感也很强,金黄的上衣有绸缎的反光,与红色的靴裤形成了强烈的对照,画面的一角树叶葳蕤,天空绚丽的云彩仿佛为其镀上了一层金色,整个画面沐浴在温暖而柔和的夕照之下,正切合了人物的内心,有些散淡和慵懒。无疑,给帝王画肖像是一件很庄重的事情,所以凡·代克肯定经过了苦心经营,但画面气质却是淡定而从容的,显示了画家举重若轻的艺术天才。

四、现实主义的主要代表作品

1.《圣母玛利亚升天》

(1)作者介绍

米开朗琪罗·梅里西·达·卡拉瓦乔(1571-1610)出生在意大利北部伦巴底省的卡拉瓦乔村,因此人们称他卡拉瓦乔。父亲是庄园主家里的管事,早年去世。所以,卡拉瓦乔不仅来自于社会的最底层,而且从小饱尝生活的苦难。他11岁时移居米兰,师从于自称提香弟子的西蒙·佩特扎洛,他是当地样式主义的代表画家。

17岁时,卡拉瓦乔来到一心向往的艺术圣殿——罗马,他为了满足最基本的生存需要而不得不进贵族府第当仆役,后来进入样式主义画家阿尔彼诺工作室。在阿尔彼诺画的大型壁画中那些造型逼真的写实主义静物,有可能就出自卡拉瓦乔之手。他画的静物,如生活般朴素,具有自然主义极为强烈的质感。他凭着个人的天赋作画,对样式主义的矫揉造作不以为然,他只相信自己的直觉和眼睛,满怀虔诚地描绘着所见的一切。

卡拉瓦乔生活贫困,终身与劳动者为伴。他性格暴戾,孤傲狂放,这种个性很难让他拥有安稳平静的生活,甚至在一次争斗中因为误杀了对手而被迫离开罗马到那不勒斯过着流浪的生活。他每到一地,常因斗殴而受到法庭审判,坐牢、逃跑、作画,这使他永远处于颠沛流离的境地。正因为如此,他对底层劳苦大众的形象更为熟悉,理解更加深刻,为他革新传统艺术,创造新的艺术形象,使普通平凡的劳动者走进神圣的艺术殿堂提供了难得的生活基础。卡拉瓦乔不仅给巴洛克艺术以极大启发,同时也是近代写实主义艺术的伟大先驱。1610年6月18日,年仅39岁的天才画家染上了致命的寒热病,在极度的困窘中永远告别了人世。

(2)作品分析

《圣母玛利亚升天》(图11-13)描绘了圣母玛利亚升天的情境,这在宗教艺术中是个无比神圣的题材,而卡拉瓦乔无视斯卡拉教堂的定件旨意,好像描绘自己邻居家里发生的悲惨事件,完全没有神圣的氛围,他执拗地按照自己对圣经的理解以及自己的生活经验和美学原则创作了升天的圣母。

图11-13 卡拉瓦乔《圣母玛利亚升天》

呈现在人们面前的是这么一个场面:在一个破烂逼仄的土屋里,躺着一位面容憔悴已经死去的普通农妇,她头发蓬乱,赤着一双脚,躺在一个小木**。圣母的躯体有一半还伸在床外吊挂着,逼真地再现了一个意大利贫困家庭的悲剧。前景那位垂首哭泣的少女像失去母亲般伤心,她是圣徒抹大拉。使徒们也是衣衫褴褛,满脸麻木的苦相,好像被生活的重压摧垮了灵魂,他们被描绘成从各方赶来奔丧的亲朋友邻,一个个掩面落泪,悲痛不已。画家毫无顾忌地将普通劳苦平民请进了神圣的艺术天地,并充满感情地刻画着他们。在这幅画中毫无神圣的宗教气息,它朴素得就像生活本身,画面上唯一显得华丽的帷幕,听说还是按定件人的恳求画上去的。难怪教会和贵族骂他是“粗野的自然人”。

据说定件人拒绝接受这件作品,理由是没有把圣母的崇高、光荣和伟大描绘出来;学院派也指责他画得过于粗俗,但倔强自尊的卡拉瓦乔绝不妥协,依然故我地描绘着他所认定的宗教世界。

在这幅作品中,卡拉瓦乔并没有很明显地运用他典型的暗绘风格,即在画面中用强烈的明暗对比和光来突出主体画面。整幅画面光线比较柔和,死去的圣母被安排在画面的中央,处于画面中最亮的部位。远景是下垂的红色帷幕,如果说画面中还有一些高贵和隆重感,那也就是来自于帷幕。圣母苍白的脸和手与红色的衣服在色彩上形成鲜明的对照,她的脸庞显示出经过了痛苦的煎熬,没有安详的感觉。哀悼的圣徒也不似心怀虔敬,只有悲伤和被生活摧垮的麻木。

卡拉瓦乔的艺术创造不是个人的随心所欲,而是对当时现实批判思潮的反映。布鲁诺曾说过:宗教根本不能算作真理,一切都应该去大胆怀疑和探索。卡拉瓦乔的画就是大胆怀疑和批判当时宗教社会的形象反映。他对宗教的理解来自于现实生活,即便在西方人眼中无比高贵与典雅的圣母也并不是万能的化身,他以草根精神描绘那些神圣的宗教事件,具有强烈的生活感与平民气质。

2.《夜巡》

(1)时代背景

1609年的尼德兰革命,最终以荷兰独立,建立起荷兰共和国而结束,这是欧洲历史上第一个资产阶级共和国,也是欧洲最富强、最先进的国家。新兴的资本主义制度下的社会较封建专制社会拥有更多的民主和自由,画家们在人格上也进一步独立。过去大多依附于贵族和宗教订件,而这时面对的是广大的市民阶层,这使美术摆脱了宫廷和社会的束缚,更加广泛地面向世俗生活。资产者和市民阶层为了给自己树碑立传、装堂饰壁和附庸风雅,大量订购油画,荷兰绘画得到空前繁荣,著名的“荷兰小画派”应运而生。

为了迎合社会的多元审美需要,艺术的题材扩大了,表现形式更加多样。独立的风景画、静物画和动物画、个体和群体的肖像画、富有浓郁生活气息的风俗画,都深受广大市民的欢迎,因此出现了专事某一题材的画家,诸如肖像画家哈尔斯、伦勃朗,风俗画家维米尔,风景画家霍贝玛等。为了争取更多的订件和利益,画家有的时候必须向自己的客户妥协,迎合买画人的品位,这就决定了荷兰绘画的内容与形式。在他们的笔下常常出现的是端庄高贵、养尊处优的贵妇人、美丽善感的少女、奔放不羁的青年和勤劳质朴的仆人甚至流浪汉和醉鬼等,从宗教的桎梏下解放出来的荷兰小画派以质朴而浓郁的世俗情味深入人心,受到了荷兰市民阶层的热烈欢迎。

(2)作者介绍

伦勃朗是17世纪荷兰具有世界意义的最杰出的现实主义肖像画、历史画、风俗画、风景画大师。他1606年出生于荷兰莱顿的一个磨坊主家庭,14岁考上莱顿大学,因痴迷绘画而中断学业,15岁时师从当地画家雅各布。三年后,他来到阿姆斯特丹,在那里成了历史画家拉斯特曼的门生。

20岁的伦勃朗回到莱顿,成立画室教授学生,这个时期他主要从事教学和版画、素描习作,描绘自己和家人形象,探索不同光线和人物的情绪关系。

伦勃朗在26岁时再次来到阿姆斯特丹,在那里创作了群体肖像《蒂尔普医生的解剖课》,为他赢得了巨大的声誉。28岁的伦勃朗娶了富家女子萨斯基亚为妻,开始了他十年幸福美满的婚姻生活,经济宽松的伦勃朗同时爱上了艺术收藏,并且创作了大量的肖像画和充满人文主义的宗教神话题材作品,画中可见巴洛克风格的影响。1632-1642年这十年是伦勃朗人生与创作最黄金的十年。1642年,他的妻子萨斯基亚去世,伦勃朗从此陷入了痛苦的深渊,他为妻子的离世而哀伤,也断绝了与贵族的关系。祸不单行,这一年他创作的《夜巡》因构图的需要,画中人物有前后主次之分,而遭到订画者的拒绝和社会舆论的诽谤,但伦勃朗没有向不幸屈服,他的艺术创作并没有因这双重打击而中断,相继又创作了《圣家族》等许多名作。尽管如此,他的作品完全得不到优厚的报酬,主要是他那倔强的性格所致,他绝不向订画人的低俗趣味让步,执意按照自己的审美与创作观念来画,这使他的经济来源日益减少,1656年夏天宣布破产,从此陷入了穷困潦倒的境地。

伦勃朗的一生画了多幅自画像。不同时期的自画像,真切地向我们展示了他悲苦而又充满抗争的人生历程,真实而深刻地反映了画家坎坷多劫的人生轨迹与苦难忧患的心灵状态。在他最后的自画像中,饱经沧桑的脸沟壑纵横,似乎觉察了一切世态炎凉的眼睛是那么无望和孤独、智慧而倔强(图11-14)。

图11-14 伦勃朗《自画像》

(3)作品分析

《夜巡》(图11-15)是一幅举世闻名的作品,也是伦勃朗关于历史题材方面的代表作。这幅画原来描绘的是白天的情景,因年久而呈现深棕色调,被后人误认为是夜晚,将错就错故名《夜巡》。

图11-15 伦勃朗《夜巡》

1642年阿姆斯特丹射击手工会请伦勃朗为他们团体绘制一幅群像,挂在自己的总部。画家由射击手行会联想到荷兰独立战争时期的英勇战士们的战斗生活,于是按照自己对战争与英雄的理解和美学原则,精心构思创作了一幅民族独立战争的历史画,将订画者们安排在一个有紧张战斗情节的空间里。原画名为《班宁柯克大尉率领自己的长枪队紧急集合》,画中除了班宁柯克大尉和几位助手被画在中间左右体面的位置外,其余的人都被安置在后面不同层次的位置上。由于空间透视、人物大小和主次不平等,尤其是后面的人物几乎面容难辨而引起了一场诉讼,因为伦勃朗忽视了订画人都交纳了相同的酬金,都想在画中拥有一个平等体面的地位。站在订画者的角度来说,要求画家平等地表现形象是无可厚非的,但另一方面作为历史画这样安排人物也是合乎艺术原则的。可惜,法律只能按照商业原则维护订画者的利益,而非艺术裁判,伦勃朗败诉了,从此失掉了资产者们的信任,不仅赔偿损失,而且名誉扫地,与上流社会失去联系。

画家采用情节性历史画构思构图,将人物活动置于一个真实的战争环境中,每个战士都在为出战做准备:有的击鼓传令,有的装火药,有的在擦拭枪支,班宁柯克大尉则与助手在紧张商议,画面形象生动。伦勃朗采用卡拉瓦乔式的聚光法使人物处在不同的明暗层次中,人物众多的画面并不拥塞,体现了他高超的构图能力,看起来忙碌纷扰的画面主次有别,不同层次的人物组合生机勃勃,强烈的光影对比营造了富有**与运动感的画面。伦勃朗深谙卡拉瓦乔式的用光美学,常使用较暗的棕色调与局部的明亮色彩作对比。在这幅画中,背景是棕黑色调,前景的主体人物处于强烈的光照之下,而相对次之的人物组合则被分别安排在不同层次的光线之中,从而使主体形象更加突出,加强了情节性的戏剧效果。

无疑,这是一幅非常深刻而又充满了巴洛克式**的历史画,作为肖像画的订件要求的确不怎么受人欢迎,但伦勃朗就是这样一个有着艺术良知与真性情的人,正如贡布里希所言:“跟卡拉瓦乔一样,他珍重真实与诚挚胜过珍重和谐与美。”[1]

3.《教皇英诺森西奥十世》

(1)时代背景

由于哥伦布发现了美洲新大陆,查理五世做过罗马帝国的皇帝,西班牙一度成为欧洲最强大的殖民帝国,不仅掠夺了外民族的物质财富,也从文明世界带来了先进的文化艺术。17世纪的欧洲已经进入了工商业大发展时代,可老成持重的西班牙仍处在极其落后的君主专制时代。不过,在这样一个多事之秋,西班牙的文学艺术却进入了空前繁荣的“黄金时代”文学领域出现了《堂吉诃德》的塞万提斯,而在绘画上则出现了格列柯、里贝拉和委拉斯贵支。

17世纪西班牙的文学与绘画发展的不同之处在于文学直接鲜明地反映了社会进步阶级的观点并描写现实生活;而绘画还受到教会和宫廷的控制,统治者对于绘画的要求是为他们宣扬宗教思想和享乐主义。进步文学思潮启发画家面向生活,而教会和贵族也喜欢带有世俗化和时代性倾向的作品,所以17世纪西班牙的绘画,既有为教廷、王室服务的巴洛克艺术,也有描绘普通平民生活和形象的卡拉瓦乔现实主义。虽然欧洲这个时期流行巴洛克风格,但西班牙的绘画仍然是以现实主义绘画为主流。16世纪下半叶到17世纪末,被称为西班牙绘画史上的“黄金时代”。人们习惯于把16世纪下半叶的绘画称为“格列柯时代”,这位神秘的西班牙人被誉为西班牙绘画的灵魂,而把17世纪的绘画称为“委拉斯贵支时代”。

(2)作者介绍

迭戈·德·席尔瓦·委拉斯贵支1599年出生于西班牙商业艺术中心塞维利亚。委拉斯贵支在少年时就表现出对艺术超乎寻常的热爱,12岁的委拉斯贵支进了当时享有盛名的埃雷拉的画室。埃雷拉脾气急躁、画风粗犷,委拉斯贵支在他手下学会了使用长毛画笔,可以在画面上营造一种轻快柔和的色彩效果。著名美术教育家帕切柯是委拉斯贵支的第二位老师,帕切科引领他认识了赛维利亚的诗人、作家、哲学家、画家等社会名流,对委拉斯贵支的创造性探索予以极大支持和鼓励,并在委拉斯贵支19岁那年,把美丽的女儿嫁给了他。

鲁本斯以外交家和画家的身份出访西班牙时,与小他20岁的委拉斯贵支交流甚多,对他十分赏识,并且建议国王让委拉斯贵支到意大利领略文艺复兴大师们的成就。国王欣然接受,派遣委拉斯贵支前往意大利为自己收藏艺术珍宝,同时考察学习。委拉斯贵支将精力倾注在米开朗琪罗、拉斐尔、丁托列托等大师上,但他绘画中的西班牙风格却没有受到多少影响。他50岁时第二次被派赴意大利,著名的《教皇英诺森西奥十世》就是在此时画的。

委拉斯贵支是个彻底的现实主义者,他不动声色地描绘着平凡的现实生活,不带任何评价。据说他曾经讲过这样一句话:“我宁愿在描绘平常事物的画家中当第一,也不愿在阳春白雪的艺术中当第二。”[2]这是他终生信奉的艺术信条。他特别注意观察周边人物的性格,是人们公认的西班牙最伟大的肖像画大师。他曾经雇用过一个农家子弟作模特,一有时间便坐下来研究他的表情,他总是沉迷于那些具体而动人的细节,力求精准而单纯地塑造笔下的人物,《教皇英诺森西奥十世》无疑就是这样优秀的作品。当然,委拉斯贵支的绘画成就并不只限于肖像画,他曾相继画过许多风俗画和历史画,《十字架上的基督》、《火神的锻炼场》都是一流的杰作。他的画重视色彩的表现,这与他出访意大利受威尼斯画派大师的影响有关。他特别注重用光,并发现了一种新的透视法——光线透视法,物体离人眼越近,光就越亮,这种奇妙的用光法赋予了委拉斯贵支的画面以开阔的纵深感和动人的生动感。

委拉斯贵支出身平凡,终生享有优裕的生活。不仅如此,1828年,大卫·威尔基爵士在面对委拉斯贵支的作品时,曾不无激动地说:他发现自己正面对艺术上的一位新泰斗。[3]

(3)作品分析

《教皇英诺森西奥十世》(图11-16)是委拉斯贵支在第二次赴罗马期间,受到教皇英诺森西奥十世的热烈欢迎,画家为教皇画了肖像以示感激之情。

图11-16 委拉斯贵支《教皇英诺森西奥十世》

76岁的教皇英诺森西奥十世身着华服,端坐在嵌着珠宝的椅子上。也许,他想显得仁慈一点,可是委拉斯贵支以自己入木三分的锐利目光和卓越的艺术才能彻底瓦解了教皇的希望,泄露了他真实的内心,那双鹰隼一样的眼睛是如此贪婪、凶狠而冷酷。

委拉斯贵支是一个善于捕捉细节和刻画内心的人,教皇的真实性格在他的笔下显露无遗。画面单纯,剔除了任何环境的铺陈,教皇正襟危坐在宝座上,身子微向左侧,凛然地注视着这个世界。他似乎洞察一切的目光凶狠而奸诈,令人望而生畏。肥厚的鼻子泄露了他的贪婪,薄而衰弱的嘴唇虽然老态毕现,坚毅却不怒而威。他的双手架在椅子把手上,散漫而随意的架势充满自信,虽然瘦削苍老却手握权柄。

为了完美地再现教皇的个性与权威,委拉斯贵支谱写了一曲色彩的华章。他充分发挥了色彩的表现力:火红的上衣与白色的长袍形成纯净热烈而又美丽和谐的对比,尽显服饰的柔软与华贵,也更衬托出人物面部与手部的气质与光彩。无疑,委拉斯贵支是抱着感激的心来塑造教皇形象的,可是他真诚而单纯的眼睛却看透了教皇的灵魂,而他现实主义的绘画信条更忠诚于一个完美的艺术形象,而不是去阿谀教皇,所以才有了这幅杰出的肖像。尽管教皇身着华服,努力想显示自己的威严和仁慈,而呈现在大众面前的却是他的跋扈和阴险、奸诈与狠毒,以至于这幅肖像完成后,教皇说了一句:“过分地像了”。

关于这幅伟大的作品还有这样的一些逸闻:这幅肖像被安放在大厅中央,当时一位主教经过大厅时,偶然从垂帘缝里看到这幅画,急忙转首对同行的人说:“讲话轻点,教皇就坐在里面”。作品问世后一位女子教训哭闹的孩子说:“别哭,教皇坐在那里。”孩子一看竟然不敢再哭了。这则趣闻使委拉斯贵支的名声很快传遍罗马、意大利以致整个欧洲。有西方评论家曾评论这幅肖像:在欧洲,所有大师的肖像画都是出色的画,唯独委拉斯贵支的这幅不是肖像画,而是教皇本人。

课后思考题

1.简述卡拉瓦乔与现实主义?

2.论述巴洛克兴起的历史背景与主要风格特征。

3.阐释意大利在17世纪欧洲美术发展史上的中心地位。

[1] [英]贡布里希:《艺术发展史》,238页,天津,天津人民美术出版社,1998。

[2] [英]罗丁等:《画家与雕塑家》,柯平选译,143页,北京,中国对外翻译出版公司,2001。

[3] [英]罗丁等:《画家与雕塑家》,柯平选译,167页,北京,中国对外翻译出版公司,2001。